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012  |  2020


«  […] the first temples were trees where the spirit of the gods lived, where he […] revealed his will by omens and oracles. » 1

The forest affects each of us in a deep and visceral way. It revives memories, creates stories within us and reveals emotions. The Tree is an undeniable link between the earth and the sky, it is a temple of cosmic sensations, a place of shelter and confidence for our aches and our words. In connection with themes such as the living, Nature and new technologies will emerge MotherTree, a participative and evolving work. Envisioned by Selma Bourdon and Julie Machin, MotherTree is an interactive installation that tends to consider the vegetal as the core of the living and the living as the core of the world. Using the imaginary of tales 3, which traditionally are orally transmitted stories, we will use the voice as a way of mystical communication, of inter-species cooperation from the human towards the extra-human. 

« Mushrooms are the internet fiber of the forest. » 2

Scientific studies have shown that mycelium 3 (wire and underground fungus) contributes to fungal intelligence (plant sensitivity) 4. This led us to consider the forest as a whole, as a living body, whose “organs” communicate through this underground nervous weave. The oldest trees (mother trees) 5 constitute the “nodes” of this global forest network, feeding the youngest trees through the mycelium. Inspired by lichens or oyster mushrooms 6 which grow in symbiosis on treetrunks, we will define a sensitive area on the mother tree which will lead the visitor to come and confide in the intimacy of his trunk. This interactive vocal receptacle will take the shape of a necklace of luminous and audible oyster mushrooms. Using digital techniques as sensors and programming, the collected stories will then be amplified and spreaded  in the forest, like an effervescent, polyphonic and luminous « Cadavre Exquis ».

«  […] les premiers temples ont été des arbres où logeaient l’esprit des divinités, où il […] révélait sa volonté par des présages et des oracle » 1

La forêt touche chacun de nous d’une façon profonde et viscérale. Elle ravive des souvenirs, suscite en nous des histoires et nous révèle des émotions. L’Arbre est un lien incontestable entre la terre et le ciel, il est un temple de sensations cosmiques, un lieu de refuge et de confidences pour nos maux, pour nos mots. En lien avec les thématiques du vivant, de la Nature et des nouvelles technologies jaillira MotherTree, une œuvre participative et évolutive. Imaginée par Selma Bourdon et Julie Machin, MotherTree est une installation interactive qui tend à recentrer le végétal au cœur du vivant et le vivant au cœur du monde. En se réappropriant l’imaginaire du conte, des histoires traditionnellement transmises à l’oral, nous utiliserons la voix comme moyen de communication mystique, de coopération inter espèces de l’humain vers l’extra-humain.

« Les champignons sont la fibre internet de la forêt. » 2

Des études scientifiques ont prouvé que le mycélium 3 (champignon filaire et souterrain) contribue à l’intelligence fongique (sensibilité des plantes) 4 . Cela nous a amené à considérer la forêt comme un ensemble, un corps vivant, dont les «organes» communiquent grâce à ce tissu nerveux souterrain. Les arbres les plus anciens (arbres-mères) 5 constituent les «nœuds» du réseau global de la forêt, nourrissant les arbres les plus jeunes par le biais du mycélium. Nous inspirant des lichens ou encore des pleurotes 6 qui poussent en symbiose sur les troncs des arbres, nous délimiterons une zone sensible sur l’arbre-mère qui incitera le visiteur à venir se confier au creux de son tronc. Ce dispositif interactif, tel un réceptacle vocal prendra la forme d‘un collier de pleurotes lumineux et sonore. À l’aide de moyens numériques, notamment de capteurs et de programmation, les histoires recueillies seront par la suite propagées, amplifiées et magnifiées dans la forêt, tel un cadavre exquis effervescent, polyphonique et lumineux.

1. NIETZSCHE Friedrich, The Divine Service of the Greeks: antiquities of the religious worship of the Greeks, three-hour weekly course, winter 1875-76, translation, introduction and notes by Emmanuel Cattin, Paris: l’Herne, cop. 1992; [The cult of trees is] “a pre-Germanic, pre-Slavic, pre-Greek element – the religion that the Indo-European nomadic tribes encountered: and that is why it is found everywhere. [This worship can take three levels, according to the worshiping peoples:] real incarnation, place visited by the gods, ideal link – [who] pass easily one in the other. For Helen, the Latin, (…) the Indian, the Germain, the first temples were trees where the minds of the gods lived, where he traded with them and revealed his will by omens and oracles. “

2. BRIGHTON Evelyne, Capable, Éditions Baudelaire, 2018, p.125. 

3. Def. : Filamentous vegetative apparatus produced by numerous fungi.

4. PierreMeerts continues: “We have known for a long time that the roots are associated with fungi that promote their growth. But what we have known for a short time is that the roots establish a kind of dialogue between them through these mushrooms. The roots emit chemical signals which will be diffused via these fungi and reach another tree. Recent studies show that tree-to-tree communications use the mycelium network of fungi.”

5. Suzanne Simard (ecologist) et Peter Wohlleben, L’intelligence des arbres, 2017. 

6.  from the Greek “pleuron” which means “side” and ôtos, which means “ear”.

Selma BOURDON and Julie MACHIN, Mother Tree, 2020, Work in progress, 

variable dimensions, silicone , leather, speakers, leds, computers, sensors

011  |  2020


“An object is expected to be inanimate, but it begins to move, like an undead or a zombie”. 1
Zoology is an work and research in progress which tries to explore the sensitive relationships between humans and robots, both robophile and robophobic relations.
Zoology is an exchange between a dozen humanoid robotic hands and the visitors. We can come and visit these robots, they are locked up like caged animals. Thanks to the motion capture of visitors in space, in an aggressive approach attempt, the robotic hands will all move towards them at the same time, trying to catch their feet.
Source of both fascination and fear, Zoology‘s hands are actually in search of human affection, of sensory contact with visitors. Conceived as an invasive and direct experience, this installation might also be a hand given to the spectator, from artificial empathy, a term defined by Serge Tisseron in his book “The day when my robot will love me, artificial empathy 2

« un objet est attendu inanimé, mais il se met à bouger, comme un mort-vivant ou un zombie ». 1
Zoology est une installation en cours de réalisation et de recherche qui tente d’explorer les rapports sensibles entre humains et robots, rapports à la fois robophile et robophobe.
Zoology est un plateau d’échange entre une douzaine de mains robotiques humanoïdes et les visiteurs. Nous pourrons venir visiter ces robots enfermés comme des animaux en cage. Grâce à la captation des visiteurs dans l’espace, dans une tentative d’approche agressive, les mains robotisées se dirigeront toutes en même temps dans leur direction, essayant d’attraper leurs pieds.
Source à la fois de fascination et de peur, les mains de Zoology sont en réalité à la recherche d’affection humaine, de contact sensoriel avec les visiteurs. Conçue comme une expérience envahissante et directe, cette installation est peut-être en réalité une main tendue au spectateur, empathie artificielle, comme l’entend Serge Tisseron dans son ouvrage « Le jour où mon robot m’aimera, l’empathie artificielle »2.

1. as explained by Frédéric Tordo in the article by Marine Loyen, for the Inriality site entitled “The worrying strangeness of humanoid robots”. Frédéric Tordo is a psychoanalyst and founder, along with Serge Tisseron, of the Institute for the Study of Human-Robot Relations.

2. TISSERON Serge, Le jour où mon robot m’aimera, l’empathie artificielle, Editions Albin Michel, 2015

Julie MACHIN, Zoology, 2020, Work in progress, 

variable dimensions, silicone, 3D print, servomotors, computers, sensors, lights

010  |  2019 / 2020


Object of wonder from my childhood, La Pierre qui croule, located in a forest in Morvan (Burgundy, FR) is a mystical stone with which my personal history is intimately linked. This memory inspired me the Dancing Stone project.

In ancient times, like a faltering oracle, this stone was consulted by the villagers to warn them of their misfortunes. In 1869, after an ultimate oscillation, the stone left its pivot and convicted itself to eternal immobility. Since that day, the stone is no longer crumbling, therefore the locals consider the oracle to be extinct. Today, it is customary for anyone who passes through the forest of Uchon to try to wake up the oracle.

“One day I had a dream where the stone appeared to me as a pendulum movement then danced with me. Yet so well settled in the forest on her granite base and covered with wet green mosses, she seemed to dance with people gathered around it. In her movements it was telling the story of each who one day tried to dislodge her from her nest. 

Some time before, my grandfather, who woke up early that morning, said spontaneously : “Wouldn’t we go to the Crumbling Stone? ” It was that day. After a walk in the woods, I saw her, fat, impressive, exposed by a  sun halo which landed on her cold rock skin. At her feet you could see a bunch of sticks; those with which the optimists had tried to make it move. She was sulking there and no one could understand her.
However, it was that night in a dream that she told me the stories the wind carried to her. She knew people more than anyone; and more than me, she knew my grandfather.
Once she had finished her story, I finally listened to the sound of the forest which stirred like a melody. Then suddenly the stone began to dance in rhythm. In an infernal but beneficial mimetic movement, out of sight, she was finally revealing this stored, sleeping energy. “

Objet d’émerveillement de mon enfance, la Pierre qui croule, située dans une forêt du Morvan (Bourgogne, FR) est une pierre mystique avec laquelle mon histoire personnelle est intimement liée. Son souvenir m’a inspiré le projet Dancing Stone.
En des temps anciens, tel un oracle vacillant, cette pierre était consultée par les villageois pour les avertir et les prévenir de leurs malheurs. Depuis 1869, après une oscillation suprême, la pierre quitta son pivot et se condamna pour toujours à l’immobilité. Depuis ce jour, la pierre ne croulant plus, les habitants considèrent l’oracle éteint. Aujourd’hui, l’usage veut que quiconque passe dans la forêt d’Uchon, tente à son tour de réveiller l’oracle.

“Un jour j’ai fait un rêve où elle m’apparut dans un mouvement de balancier puis dansa avec moi. Pourtant si bien installée dans la forêt sur son socle de granite et recouverte de mousses vertes humides, elle semblait danser également avec des gens regroupés autour d’elle. Elle racontait en ses mouvements l’histoire de chacun, qui, un jour, tentèrent de la déloger de son nid.
Quelque temps plus tôt, mon grand-père, levé tôt ce matin-là, s’était écrié « On n’irait pas à la Pierre qui croule ? ». C’était ce jour. Après une promenade dans les bois, je la vis, grosse, impressionnante, exposée par un halo de soleil qui se posait sur sa peau rocheuse et froide. À ses pieds, on pouvait observer un tas de branches; celles avec lesquelles certains optimistes avaient tenté de l’ébranler. Elle boudait là et personne ne pouvait la comprendre.
Or, c’est cette nuit-là en songe qu’elle me conta les histoires que le vent lui portait. Elle, connaissait les gens, plus que quiconque ; et plus que moi, elle connaissait mon grand-père.
Une fois qu’elle eu finit son histoire, j’écoutais enfin le bruit de la forêt qui s’agitait comme une mélodie. Puis, soudainement, la pierre se mit à danser en rythme. Dans une mimétique infernale qui lui faisait du bien, loin des regards, elle déployait enfin cette énergie emmagasinée et endormie jusqu’alors.” 

Julie MACHIN, Dancing Stone, 2019/2020, Work in progress, 

variable dimensions, polystyrene, wood, motors, computers, sensors, lights, video projections

009  |  2017 / 2020


Màs que la càra: tu Avatāra is a study, research and experimentation that unfolds at the crossroads of Art and our digital daily life through the representation of Self. This project aims to differentiate the “skin-self” from the “pixel-self”, by tackling the themes of hybridation, avatars, masks and monsters. It is an aesthetic research around possible mutations of the face: mutilation, decomposition, avatars, masks.
The mask refers to this other Self, the one that is carefully applied to the skin in the morning before leaving the house. Hiding to become this other self is a desire to be, the will to be different and to abandon yourself by leaving your skin, flesh and body and then wrap yourself in a large bandage. Like an onion, we add layers, we hide the inside, to avoid being raw and to stay away from others: the unknown, this stranger who’s watching us. In the daytime, the mask puts our Self in quarantine, becoming a self-simulation, before we find ourselves again when the evening comes.
What remains from these experiments are only residual shapes of the body, and anamorphic imprints of the presence. These faces will be mistreated with various digital processes : from photography to photogrammetry, from photogrammetry to 3D processing, from a 3D model to 3D printing to finally give them a tangible but consumed texture. These images will become portrait-simulacras , anonymous faces with missing pieces, which disappeared in a stream of particles; unidentifiable remains, revealing a new cyborg identity.
Màs que la càra : tu Avatāra est une étude, une recherche et des expérimentations qui se déploient à la croisée de l’Art et de nos quotidiens numériques à travers la représentation de Soi. Ce projet vise à différencier le « moi-peau » du « moi-pixel », en abordant les thèmes de l’hybride, de l’avatar, du masque et du monstre. C’est une recherche esthétique autour de possibles mutations du visage : mutilation, décomposition, avatars, masques.
Le masque fait référence à cet autre Moi, celui que l’on s’ applique soigneusement sur la peau le matin avant de sortir de chez soi. Se cacher pour devenir cet autre, c’est un désir d’être, de vouloir être autre et de s’abandonner en quittant sa peau, sa chair et son corps puis s’envelopper dans un grand pansement. Tel un oignon, on se met des couches, on cache le dedans, pour ne plus être à vif et se tenir à distance de l’autre : l’inconnu, cet étranger qui nous regarde. Le masque met notre Moi en quarantaine, et devient un semblant de Nous, le jour, avant que l’on se retrouve le soir.
De ces expérimentations il ne subsistera que des formes résiduelles de nos corps, que des empreintes anamorphes de notre présence. Ces visages seront mis à mal subissant différents traitements numériques : de la photographie à la photogrammétrie, de la photogrammétrie à un traitement 3D, d’un modèle 3D à une impression 3D pour enfin leur redonner une texture tangible mais consommée. Ces images deviendront des simulacres de portraits, des figures anonymes dont certains morceaux auraient disparus dans un flux de particules ; vestiges non identifiables, révélant alors une nouvelle identité cyborg. 

Julie MACHIN, Màs que la càra : tu Avatāra, 2017/2020, Work in progress, 

variable dimensions, masks, photographs, sculptures, photogrammetry, 3D, projections

008  |  2018


Web Sarx Phagein is an interactive video installation produced for the Variations Numériques festival (Saint Etienne, 2018), with projected video and a proximity sensor evaluating the presence of the viewer in space. The installation tries to give life to the dead on the web, as many profiles, sites, or blogs that are still animated although their real authors have disappeared. They are there, hidden behind our screen, messing with our internet uses. Visitors can hear and perceive their discussions only by being as still as possible in the space. Then they will be able to hear them speak, make fun, socialize or ask questions about their bodies, their presence on the web.
This work ironically evokes our so-called materiality on the Web, this flesh-eating space, this sarx phagein space. These hybrid encounters, offered in Web Sarx Phagein, with these skin / pixel faces which I like to call “new faces” is an experience which, perhaps, leads us to question our own existence, our own substance, when all our data stays online while our bodies lay underground.
Web Sarx Phagein est une installation vidéo interactive réalisée dans le cadre du festival Variations Numériques (Saint Etienne, 2018), composée d’une vidéo projetée et d’un capteur proximètre évaluant la présence du spectateur dans l’espace. L’installation tente de redonner vie aux morts du web, autant de profils, de sites, ou encore de blogs toujours animés bien que leurs véritables auteurs aient disparus. Ils sont là, cachés derrière notre écran, et se jouent de nos pratiques d’internet.Le visiteur  pourra entendre et percevoir leurs discussions à l’unique condition de se faire le plus discret possible dans l’espace de l’œuvre. Alors seulement, il pourra les entendre parler, se moquer, se rencontrer ou se poser des questions sur leurs corporalités, leurs présences sur la toile.
Cette œuvre évoque avec dérision notre prétendue matérialité sur le Web, ce lieu mangeur de chair, ce lieu sarx phagein. Ces rencontres hybrides proposées dans Web Sarx Phagein avec ses visages peaux/pixels que j’aime appeler les « nouveaux visages » est une expérience qui, peut-être, nous amène à nous questionner sur notre propre existence, notre propre substance, lorsque toutes nos données restent en ligne et que nos corps seront sous terre. 
Julie MACHIN, WEB : Sarx Phagein, 2018, Interactive installation

variable dimensions, balloons, video projection, mapping, sensors, computers

Exhibitions : February 2018 – Variations Numériques Festival , La comète, Saint Etienne, France

007  |  2018


Trace-IT is a performance imagined and produced in collaboration with Caroline Di Monte and Charlène Duchêne.

Trace-IT is both the trace of our route and the trace in the city (trace city). It is the highlight of our passages, from presence passing to the absence of our steps. When we walk, we leave an invisible trace of our passages. We wander like ghosts, in our streets, in the city, we cross paths but we remain anonymous… Why wouldn’t these crossing points meet our invisible passages? Trace-it takes over these passages, these paths that we no longer see, these unconsciously traced roads. We make visible what we no longer reflect. Right, then, left, then right, the steps go on toughtlessly; we cross the streets without thinking them, without thinking about the eroding ground beneath our feet. The posture of walking, in performance, is diverted when we make it bent, holding a coal at arm’s length, with which we trace and make visible the grueling, exhausting walk of everyday life, of these streets that pass by, of our urban landscapes. They weave places. In this connection, pedestrian motricities form one of these “tangible systems whose existence effectively make the city”, but which “have no physical receptacles”. They are not localized: they are the ones that spatialize.» 1 Walking in the city would be like a code of subjective exploration that one could decode. “In this permanent investment and appropriation of places, each citizen would then draw routes which would recompose the face of the city …]” 2

Trace-IT est une performance imaginée et réalisée en collaboration avec Caroline Di Monte et Charlène Duchêne.

Trace-IT est à la fois la trace de notre itinéraire et la trace dans la ville (trace city). C’est une mise en exergue de nos passages ; passages de la présence à l’absence de nos pas. Lorsque nous marchons, nous laissons une trace invisible de nos passages. Nous errons tel des fantômes, dans nos rues, dans la ville, nous nous croisons mais restons anonymes… pourquoi ces points de croisements ne seraient-ils pas la rencontre de nos invisibles passages ? Trace-it s’approprie ces passages, ces chemins que nous ne voyions plus, ces routes inconsciemment déjà tracées. Nous rendons visible ce que nous ne réfléchissons plus. Droite, puis, gauche, puis droite, les pas s’enchaînent sans que nous les pensions ; nous traversons les rues sans les réfléchir, sans penser à ce sol sous nos pieds, que nous usons tout un chacun. La posture de la marche, dans la performance, est détournée quand nous l’abandonnons courbées, tenant à bout de bras un charbon, avec lequel nous traçons et rendons visible la marche éprouvante, épuisante du quotidien, de ces rues qui défilent, de nos paysages urbains. « Ils trament les lieux. À cet égard, les motricités piétonnières forment l’un de ces « systèmes réels dont l’existence fait effectivement la cité », mais qui « n’ont aucun réceptacle physique ». Elles ne se localisent pas : ce sont elles qui spatialisent. » 1 La marche en ville serait comme un code d’exploration subjective que l’on pourrait décoder. « Dans cet investissement et cette appropriation permanentes des lieux, chaque citadin dessinerait alors des parcours qui recomposeraient le visage de la ville […] » 2

1. Michel de Certeau, Art de faire in L’invention du quotidien. Citant, Ch. Alexander, « la cité semis-traillis, mais non arbre », in Architecture, Mouvement, Continuité, 1967

2. Rachel Thomas. La marche en ville : Une histoire de sens. Espace Geographique, Éditions Belin, 2007, p. 15-26

Caroline Di MONTE, Charlène DUCHENE and Julie MACHIN, Trace-IT, 2018, Happening


006  |  2017


alterIPSE is an interactive installation produced in collaboration with Selma Bourdon. It generates spatio-temporal video feedback from a real-time capture of the spectator at regular intervals. It creates a superposition of layers from various temporalities, along with real time, generating furtive, fictitious and random encounters.
The impact of light fluctuates with the waves, drawing the shadows of our specular bodies. They surrender and blend in these fictional places :these fractal video layers intertwined with each other. The flesh is then disembodied into a ghostly reality, an imitation of reality, a mirage. In a quick succession, the other appear, the Self disappears, mixing in strobe ghost images.
alterIPSE strips the Self and establishes a spectral map of past presences, crossed or non-crossed fates. These inter-images, produced by video feedback, become hybrid, unforeseen and improvised meeting places. These subliminal images, with which our body dialogues, revolve around us, sending us back to this Other self (in Latin, alter ipse).
alterIPSE est une installation interactive produite en collaboration avec Selma Bourdon. Elle génère des larsens vidéo spatio-temporel à partir d’une captation en temps réel du spectateur à intervalles réguliers. Se crée alors une superposition de couches de temporalités diverses avec ce temps réel engendrant des rencontres furtives, fictives et aléatoires.
L’impact de la lumière fluctue au gré d’ondes dessinant les ombres de nos corps spéculaires. Ils s’abandonnent et se mêlent dans ces lieux fictifs, ces couches vidéo fractales entrelacées les unes dans les autres. La chair se désincarne alors en une réalité fantomatique, une imitation du réel, un mirage. Une suite d’apparitions de l’autre et de disparitions de soi , se mêle en images stroboscopiques fantôme.
alterIPSE dénude le Soi et établit une carte spectrale de présences passées, destins croisés ou non-croisés. Ces entre-images, produites par un larsen vidéo, deviennent alors des lieux de rencontres hybrides, imprévues et improvisées. Ces images subliminales, avec lesquelles notre corps dialogue, gravitent autour de nous, nous renvoyant à cet Autre soi-même (en latin, alter ipse). 
Selma BOURDON and Julie MACHIN, alterIPSE, 2017,  Interactive installation

variable dimensions, sensors, video projections, lights, computers

Exhibitions : November 2017 – Positive Education #2 Festival, les Forces Motrices, Cité du Design,  Saint Etienne, France

005  |  2015


“Julie Machin’s heads are not detached from their support. The reason is, her characters only shows herself. Her appearance, however, changes according to the person facing her, like a strange reflection in a distorting mirror. Self-portraits of others” Itzhak Goldberg 1
A dialogue takes place between the artist’s body and the body of “the other”, of the stranger, of the one who stands in front of us. Anastylose shows us body hybrids: meta-bodies. It is also questioning the actual and the virtual, the field of possibilities. These hybrids are body hypotheses, possible bodies. Can this composite body become real? Could it already be? In any case, the field of possibilities is always wider than the reality. Although the body is a rational medium itself, there is confusion between what we believe to be true and what is not. The artist’s body dialogues with the “other”, it assimilates these bodies which do not belong to him, assimilates their gestures, asking us: “How does he see me? How does he perceive me? “It is a playful game of two foreign bodies confronting with each other:” What if you were me? What if I was you ? »
“les têtes de Julie Machin ne sont pas détachées de leur support. Et pour cause, ses personnages ne figurent qu’elle-même. Son apparence toutefois se modifie selon la personne qu’elle a en face, comme un étrange reflet dans un miroir déformant. Autoportraits des autres?” Itzhak Goldberg 1
Un dialogue s’installe entre le corps de l’artiste et le corps de «l’autre», de l’inconnu, de celui qui se tient en face de nous. Anastylose nous présente des hybrides de corps: des méta-corps. C’est également un questionnement sur le réel et le virtuel, sur le champ des possibles. Ces hybrides sont des hypothèses de corps, des possibles. Ce corps composite peut-il devenir réel? Est il envisageable qu’il ne le soit déjà? Quoiqu’il en soit, une évidence, le champ du possible est toujours plus large que celui du réel. Bien que le corps soit un médium rationnel en soi, il y a confusion, entre ce que nous croyons être véritable et ce qui ne l’est pas. Le corps de l’artiste dialogue avec « l’autre », il s’approprie ces corps qui ne lui appartiennent pas, s’approprie leurs gestes et nous questionne : « Comment me voit-il ? Comment me perçoit-il ? » C’est aussi un jeu ludique de deux corps étrangers qui se confrontent : « Si vous étiez moi ? Si j’étais vous ? »
1. Text by Itzhak Goldberg: researcher, art historian (face specialist in modern and contemporary art), art critic (Beaux Arts magazine), exhibition curator and lecturer (Paris-X.
Julie MACHIN, Anastylose, 2015,  Video installation, 

variable dimensions, video projections

Exhibitions : September 2016 – Narcisse 2.0, Université Jean Monnet, Saint Etienne, France

                                   May 2016 – Forces Latentes, for the Moly-Sabata prize, Les Forces motrices, Cité du Design, Saint Etienne, France

                                   May 2015 – Maniak(s), galerie Metalab/Reticular, Saint Etienne, France

004  |  2014


In Harmony is an interactive installation for performers, resulting from a collaborative project developed during the Labo # 3 Danse Machin workshop at the Mixeur, Cité du Design in Saint Étienne in 2014. This project, born in four days, aimed to bring together different skills (engineers, musicians, artists, designers, dancers, …) around one topic: dance and new technologies. “A smartphone is harnessed to the chest of each participant and transmit their gesture’s acceleration data. To each participant is assigned a sound frequency. Acceleration data from movements modify this frequency. When the device is launched, the participants stand still and their frequencies stand in harmony. As soon as a movement is produced, the overall harmony breaks down. The quest is to get back to it. Dimmed LED projectors are used as a reference for each participant, to meet their initial frequency. Once all the spotlights are full on, the overall harmony is restored. Then it is possible to hear and see the return to the original frequency. “
In Harmony est une installation interactive pour performeurs issue d’un projet collaboratif élaboré lors du workshop Labo#3 Danse Machin au Mixeur de la Cité du Design de Saint Étienne en 2014. Ce projet, né en quatre jours avait pour but de réunir des compétences différentes (ingénieurs, musiciens, artistes, designers, danseurs,…) autour d’une même thématique : la danse et les nouvelles technologies. « Un smartphone est harnaché sur le buste de chaque participants et transmet les données d’accélération de leurs gestes. A chaque participant est attribuée une fréquence sonore. Les données d’accélérations provenant des mouvements modifient cette fréquence. Au lancement du dispositif, les participants sont immobiles et leurs fréquences composent une harmonie sonore. Dès qu’un mouvement est produit, l’harmonie globale se décompose. La quête est d’y revenir. Afin d’avoir des repères sur la fréquence de chacun et celles des autres, des projecteurs LED indiquent en fonction de la puissance lumineuse le rapprochement graduel vers la fréquence initiale. Une fois tous les projecteurs allumés, l’harmonie globale est retrouvée. Ainsi, il est possible d’entendre et de voir le retour à la fréquence initiale. » 
Anais MET DEN ANCXT (Scenocosme), Mahault ANDRIA, Clémence GENATIO, Yvan GONZALES,


in Harmony, 2014,  Interactive installation

variable dimensions, smartphones (sensors), straps, harnesses, computers, lights, speakers, performers

Exhibition : March 2014 – Labo # 3 Danse Mach in, Le Mixeur, Saint Etienne, France

003  |  2013 / 2016


De soi à soi is a short videographic transcription of a performance. Born from one of my first video works but also from my Narcisse 2.0 research work, the video simply reveals a double projection with delay. These images reveal my videographic reflection, almost trying to emancipate itself from my body, playing with me and seeking physical contact. In this performance I find myself facing my corporality, or should I say facing the image of my Self, fading out in the projection. A game settles between my body and the projected one: a fictitious body, imprisoned in a video loop system. This bodily illusion I play with evokes current societal phenomena, such as the intangible relationships we can establish today, thanks to all kinds of virtual platforms. Projection is also tied to the idea of reflection and the mirror, concepts that we can connect to the self-obsession that I evoke in my research. I find myself facing this false image of myself, this apparent illusion. A metamorphosis, a hybrid being, constantly following my movements. That is when a distinction imposes : Is self-representation self?
De soi à soi est une courte retranscription vidéographique d’une performance. Issue d’un de mes premiers travaux vidéo mais aussi de mon travail de recherche Narcisse 2.0, la vidéo dévoile simplement une double projection avec du delay. Ces images nous dévoilent mon reflet vidéographique cherchant presque à s’émanciper de mon corps, jouant avec moi et cherchant un contact physique. Dans cette performance je me retrouve face à ma corporéité, ou devrais-je dire face à l’image de mon Moi. Cette dernière s’est évanouie dans la projection. Un jeu s’installe alors entre mon corps et celui projeté : un corps fictif, emprisonné dans un système de boucle vidéo. Cette illusion corporelle avec laquelle je joue, évoque des phénomènes sociétaux actuels, tels que les relations immatérielles que nous pouvons établir aujourd’hui grâce à toutes sortes de plateformes virtuelles . La projection s’apparente aussi à l’idée de reflet, ou celle du miroir, des notions qui nous renvoient à l’obsession de soi que j’évoque dans mes recherches. Je me retrouve alors, face à cette fausse image de moi, cette apparente illusion. Une métamorphose, un être hybride, qui suit mes mouvements sans cesse. C’est alors qu’une distinction s’impose : La représentation de soi est-ce soi ?
Julie MACHIN, De soi à soi, 2013/2016,  Video performance, 

variable dimensions, video projections and camera

Exhibitions : September 2016 – Narcisse 2.0, Université Jean Monnet, Saint Etienne, France

                                   May 2013 – Arythmies, Galerie Les Limbes, Saint Etienne, France

002  |  2013


Biloca is a video installation which gives the illusion of bilocation 1. A camera captures the spectator walking through the room. Then a video feedback system is activated, projecting the image onto a wall, where an outdoor urban space already lays. The memory of a past body is invoked through the video. As for the bilocation, it is direct. The spectator is projected “out of the room”, into another space, where he fades out as he walks, lit a system of diffuse light (the spectator is only lit on its right side while its left side remains in the shade). This double projection, along with the lighting of the subject generates an almost total disappearance of the silhouette. We are then facing a ghost image. Could this disappearing body be spontaneously reborn in another place, the same way it disappeared here?
Biloca est une installation vidéo qui donne l’illusion de la bilocation 1. Une caméra placée dans la pièce capte le spectateur en train de déambuler. Un système de feed-back vidéo est alors activé et projette en différé l’image de ce dernier sur un mur, où y est déjà figuré un espace urbain extérieur. La mémoire d’un corps passé est alors invoquée à travers la vidéo. En ce qui concerne la bilocation, elle est directe. Le spectateur est propulsé « en dehors de la pièce », dans un autre espace, où il disparaît au fur et à mesure de sa marche, grâce à un système de lumière diffuse (le spectateur n’est éclairé que sur sa partie droite tandis que sa partie gauche demeure dans l’ombre). Cette double projection et l’éclairage du sujet engendrent une disparition quasi totale de sa silhouette. On se retrouve alors face à une image fantôme. Ce corps qui disparaît pourrait-il renaître spontanément dans un autre lieu, de la même manière dont il a disparu ici ?
1. Def: we speak of bilocation when a person is seen or pretends to be present simultaneously in two separate places.
Julie MACHIN, Biloca, 2013,  Video installation, 

variable dimensions, video projections, camera, lights

001  |  2013


« That evening, a pearl offering is gifted to you on a plate of untouchable desires. These three graces, whose elusive bodily vulnerability escapes the eye are exposed in a corollar way. Cradled by a sublime flow, a delicate lactation, they offer you to play with the doubling of your look. A few drops bared in the crook of a partial revelation, a distancing. Therefore, how to touch the cosmic round trip? Do you think you can witness the blinding fascination of these three virtual promises? How to enjoy a parallel disposal?
To project star dust, the present absence
. » 


Hosted by the artist Laurent Quin during his exhibition Anatomie Edo at Les Limbes gallery (Saint Étienne, 2013) Supernova is a one-time video performance. Separated into three simultaneous video live acts : Élodie, in Lille, reading excerpts from a book by Hélène Singer 1; Fanny in Paris, brushing her teeth with her fingers and spitting out repeatedly; I was in Saint Etienne, tearing off a second skin. This latex skin with which I was completely covered in showed a double stripping: from my clothes, and from my skin, which once removed, revealed raw flesh. The spectator, facing the image, was watching the action from the webcam (this eye without an eyelid), pulled away, and condemned to see without being able to touch, like a voyeur.

 « Something that should have been kept hidden and reappeared. Like an unconscious repression that shows again. » 2 

« Ce soir là, une offrande de perles vous est délivrée sur un plateau de désirs intouchables. Ces trois grâces dont la vulnérabilité insaisissable du corps échappe au regard s’exposent de manière corollaire. Bercées par un flux sublime, une lactation délicate, elles vous proposent de jouer avec le dédoublement de votre regard. Quelques gouttes mises à nu dans le creux d’une révélation partielle, une mise à distance. Alors, comment effleurer l’aller-retour cosmique? Pensez vous percer la fascination aveuglante de ces trois promises au virtuel? Comment jouir d’une mise à disposition parallèle?
Projeter de la poussière d’étoiles, l’absence présente. » 


A l’invitation de l’artiste Laurent Quin lors de son exposition Anatomie Edo à la galerie Les Limbes (Saint Étienne,2013) Supernova est une performance vidéo à représentation unique. Découpée en trois actes vidéo simultanés et projetée en direct : Élodie, à Lille, lisait des passages d’un livre d’Hélène Singer 1 ; Fanny, à Paris, se brossait les dents avec les doigts et recrachait de manière répétitive ; j’étais à Saint Étienne, et m’arrachais une seconde peau. Cette peau de latex dont j’étais recouverte entièrement donnait à voir un double effeuillage : celui de mes vêtements, et celui de ma peau, qui une fois ôtée, dévoilait une chair à vif. Le spectateur, face à l’image, regardait l’action de la webcam (cette œil sans paupière), mis à distance, et condamné à voir sans pouvoir toucher, tel un voyeur. 

 « Quelque chose qui aurait dû demeurer caché et qui est réapparu. Comme un refoulement inconscient qui se montre à nouveau. » 2 

1. Hélène Singer, Expression of the internal body, voice performance, and plastic song, Ed. L’Harmattan, 2011.
2. Cit. Fanny Legros on the Supernova performance.
Eliane ELLS, Fanny LEGROS and Julie MACHIN, Supernova, 2013,  Video performance, 

variable dimensions, video projections and cameras, latex, books, water, toothpaste, plants

Exhibition : November 2013 – Supernova, Galerie Les Limbes, Saint Etienne, France